¿Se puede meter un flashback dentro de un flashback? se suele decir que no. Podría resultar muy confuso, pero en esencia sí que se puede hacer. Como caso de ejemplo vamos a ver la secuencia de Bruce Lee en 'Érase una vez en Hollywood' de Quentin Tarantino. Para ilustrar mejor usaré capturas de pantalla de una copia descargada de internet, pero con fines didácticos, no descarguéis películas de internet.

La secuencia de Bruce Lee es un flashback que comienza después de un momento que hubiese hecho que hace 20 años las mujeres se desmayasen en el cine.

Éste momento.

 Cliff Booth (Brad Pitt) recuerda una ocasión en la que pidió a Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) que intercediese ante el jefe de especialistas (Kurt Russel)

para que le contratase en una película. Durante esa conversación, se alude a la posibilidad de que Cliff Booth hubiese asesinado a su esposa, y esto se insinúa a modo de chiste visual en otro flashback más. En este caso en concreto se usa como chiste, no se llega a ver si realmente Booth asesinó a su esposa o no, pero con un uso muy eficaz del lenguaje audiovisual y del montaje, deja la pelota metafórica en el metafórico tejado del espectador.

Por lo tanto, considero que un flashback dentro de un flashback es sólo viable como gag cómico, de otro modo resultaría muy confuso. Como si alguien te cuenta una historia, y entonces se acuerda de un detalle y de otro y de otro más y...pierde el hilo de lo que te quería contar.

Para más INRI. Cuanto la acción vuelve al presente, con Cliff Booth reparando la antena de televisión, se hace uso de otro recurso narrativo temporal. Lo que en inglés se llama "foreshadowing" que en español se traduciría como presagio/augurio, aunque en narración tiene un matiz menos místico. Lo que ocurre a continuación es la única vez que se ve en pantalla a Charles Manson. Y tal y como dije en la crítica, si conoces la historia, esa escena te pone los pelos de punta porque es un presagio funesto de lo que podría acabar ocurriendo.

En cuanto al final de la película, compruebo estupefacto que hay gente que no ha entendido que sucede en una línea temporal alternativa a la nuestra. Es el universo Tarantino, donde Sharon Tate no fue asesinada. En la sinopsis listada en la web de un cine local lo decían como si al final de la película ocurriese lo que ocurrió en la vida real.

Crítica de 'Erase una vez en Hollywood'

Créditos

Guión y dirección: Quentin Tarantino

Interpretaciones: Leonardo Di Caprio, Brad Pitt, Margot Robbie.

Sinopsis

En 1969 el actor Rick Dalton está en el crepúsculo de su carrera, su mejor amigo es su doble para escenas de riesgo Cliff Booth. Juntos lidian con sus altibajos profesionales, mientras algo malsano se fragua en la sociedad norteamericana de finales de los 60.

 

 

 Crítica

Dije que no vería otra de Tarantino después de ‘Los Odiosos Ocho’ pero ésta bien podría ser la última que hace y siempre me llamó la atención que girara en torno a los asesinatos Tate-LaBianca. No esperaba mucho al verla y me ha sorprendido gratamente.

Por primera vez en mucho tiempo, Quentin Tarantino muestra un gusto cinematográfico refinado. Sin que quede como un “eh mira que cosa más guay he hecho ¿te gusta eh, te gusta?”. Dicho eso, la cámara se mueve, en panorámicas,travelings etc…, más que nunca en ninguna otra película de Tarantino, la fotografía se vuelve más europea por decirlo de alguna manera, y eso beneficia al producto final.

Hay más música que nunca en ninguna película de este director, aunque en más ocasiones de las que sería deseable estas canciones licenciadas suenan en interminables secuencias de gente conduciendo. Que sí que has recreado Los Ángeles tal y como eran en 1969, pero sobra. Igual que también sobra todo el tiempo, de las dos horas y media de película, que se pierde en sacar la labor actoral de Rick Dalton. La secuencia de la meta película en la que usa un lanzallamas contra unos nazis… ¿no bastaba sólo con lo del lanzallamas para la relevancia, que no pasa de ser un toque humorístico/grotesco al final de la película, para que tuviese el mismo efecto? Además ¿qué sentido tiene que la ficción dentro de la ficción sea igual que una película de Tarantino? ¿Quiere decir que en su universo (en el que Hitler fue asesinado en un cine) todo el mundo hace películas de Tarantino? Por lo menos que no hablasen con tantos retruécanos, como es marca de la casa.

Lo más destacable, y que me ha tenido enganchado como un perro pequeño a los dedos de un invitado al que no conoce (jajajaja ay) es la atmosfera malsana y llena de suspense que se respira cada vez que aparecen los hippis malos. Esto me lleva a un apartado que me preocupa de la película. No me gusta que haya que estudiar para ir al cine, cuando se estrena algo basado en libros y algún elemento genera más preguntas que respuestas, alguien puede decir “ en el libro lo explican” pues bien, no tengo que leer ningún libro antes de ir al cine, para eso se adaptan novelas para llegar a otro público. En este caso, no sé cuantos espectadores estarán familiarizados con los aberrantes actos de la familia Manson. Y es que, pese a las diferencias con la realidad, saber que unos hippis malos allanaron la morada de Sharon Tate y la asesinaron brutalmente es fundamental. Porque de otro modo,no se aprecia el suspense de la misma manera, ni creo que se pueda entender el mensaje que subyace. Sí conoces la historia de cómo asesinaron a la mujer embarazada de Roman Polanski y a varios invitados, entonces se crea un juego de suspense al estilo Hitchcock en el que es espectador sabe algo que los personajes en pantalla no. De lo contrario el personaje de Sharon Tate, parece algo episódico que no conduce a nada.

Aún y con todo, al final ocurre como en todas las películas de

Tarantino; mucho contenido y poca sustancia. Sólo que en sus primeras películas, incluso en ‘Amor a quemarropa’ las secuencias se prolongaban en exceso en las que no ocurría nada, pero notabas que llevaban a alguna parte, tarde o temprano al menos. Desde ‘Malditos Bastardos’ diría que se han multiplicado las escenas de hablar por hablar, por las que son famoso el director.

Dicho eso, ¿de qué trata la película? ¿De la soledad del hombre en una especie de mensaje post romántico a lo Chuck Palahniuk? No tengo ni idea. El personaje de Rick, interpretado por Leonador Di Caprio, tiene toques de los personajes de Sam Peckinpah en películas como ‘Grupo Salvaje’ o ‘La Balada de Cable Hogue’ en el sentido en el que se trata de hombres que viven en un mundo que no les pertenece, ya se han quedado obsoletos y no son capaces de adaptarse. Pese a que eso no se llega a desarrollar tanto como hubiese querido, es mucho más interesante que las dos películas anteriores de Tarantino.

La capa de suspense es muy estimulante, y lleva a las mejores secuencias de todo el filme. Y en ambas Brad Pitt parece Charles Bronson impartiendo justicia. Pero la pedantería tarantiniana también está presente aquí, como no. Y en esta ocasión hace acto de presencia por medio de una niña actriz que parece la manifestación física de Tarantino en la película. Por desgracia hay muchísimas más cosas pedantes a lo largo y ancho de toda la película. Y hablando de cosas que no llegan a nada, en un par de ocasiones se fuerza cierto paralelismo entre el trío protagonista, que no se desarrolla de ninguna manera.

La pedantería que mencionaba antes, también sacude a los actores. Leonardo Di Caprio interpreta en la meta ficción una secuencia de forma penosa,pero recobra energias y en la siguiente lo borda. Lo que se traduce en que se interpreta a sí mismo en ‘Django Desencadenado’ como si exigiese un Oscar o algo así.

‘Erase una vez en Hollywood’ destaca por ser la primera película de Tarantino en tener dos secuencias puras de terror, no cuenta el “momento giallo” de ‘Kill Bill’. Si no te acojonas hasta la medula cuando el personaje de Brad Pitt vuelve al rancho donde solía rodar la serie de televisión de vaqueros, es que no estás prestando atención. Y lo cierto es que a Tarantino se le da de miedo dar miedo. En varias ocasiones ha dicho que es un gran fan del cine Slasher de asesinos en serie, y por fin lo ha demostrado. Los elementos de terror son tan acertados, que funcionan como una película de terror moderna, de las mal llamadas "horror intelectual".

En el aspecto de interpretación, todo como cabe esperar, pero el papel casi cameo de Al Pacino, ¿es el mismo personaje de ‘Jack y su gemela’? En serio, tiene la misma capacidad nula para influir en la trama. Y también actúa Lorenza Izzo, que bueno… ¿sabéis eso de si no puedes decir nada amable no digas nada?

Por último, considero imprescindible detallar el final para entrar a desgranar la película. Así que si no la habéis visto y sois de esos melindrosos ignorantes de “spoilers no”, no leáis más.

El Climax final, cuando los hippis malos quieres perpetrar violencia por la influencia de la tv en sus vidas (más o menos) resulta sumamente gratificante ver al personaje de Brad Pitt repartir estopa en la secuencia más violenta de toda le película. Una hipérbole híper violenta que no es agradable de mirar, pero que se aligera con ciertos toques cómicos y que arruina Lorenza Izzo, con un salto/grito totalmente ridículo. Cuando estos hippis malos mueren y llega la policía, los que saben que la familia Manson asesinó a Sharon Tate temen lo peor un invitado de los Polanski sale de casa  y pregunta que ha pasado. Después le invita a la casa con Sharon y otros invitados y…todos cenan juntos y conversan, aparentemente. Porque ahí está el mensaje de Tarantino y que encumbra a esta como una de sus mejores películas. En el mundo híper violento de estas 9 películas, en las que la gente suda celuloide y que aman el cine como el propio creador, imaginamos que por cómo eliminaron a Hitler, es un mundo más bonito y hermoso que el nuestro. Donde la gente distingue violencia real de la de ficción y todo funciona como debería. Un mundo en el que los asesinatos de Manson no supusieron el fin de los años 60 y del movimiento Hippi, dando paso a una era más cínica y temerosa de Dios. El título de la película hace referencia tanto al cine de Sergio Leone,y que gracia me hace que mencione a Sergio Corbucci, como a una introducción de cuento de hadas. Y esta película lo es en cierto modo.

PUNTUACIÓN: 88

Gremios cinematográficos de EEUU

'Luz que agoniza' (Geroge Cukor,1944)

En los títulos de crédito de películas hechas en Hollywood seguramente os hayáis fijado en las siglas que aparecen detrás de algunos nombres: C.S.A, D.G.A, A.C.E etc...y seguramente os haya llamado la atención, pero después, entretenidos en la ficción, no hayáis reparado en eso. A mí desde luego me pasó así. Veía una película, en los créditos leía esas siglas y pensaba " ¿y eso que es? tengo que mirarlo" pero luego, acabada la película ya no pensaba en siglas ni en siglos. Hasta hace un tiempo que me documenté y aquí está este artículo.
 
Esas siglas indican que la persona cuyo nombre está pegado a ellas pertenece a algún gremio cinematográfico americano.
 
D.G.A : Directors Guild of America
Se trata de un sindicato que representa a directores y otros miembros del departamento de dirección en cine, Televisión, anuncios de televisión, documentales, noticias, deportes y nuevos medios.
 Se fundó en 1936 bajo el nombre de Gremio de Directores de la pantalla. En 1960 se fusionaron con sus colegas de radio y televisión. Ofrecen el DGA Award for Outstanding Directorial Achievement in Feature Film, que tiene la peculiaridad de que suele coincidir con el premio Oscar al mejor director.
Es la organización más conocida, pese a que los miembros no usan las siglas en los créditos.

WGAE, WGAW : Gremio de escritores de Norteamérica (costa este o costa oeste)
El gremio del este se fundó en 1912 por una serie de escritores y dramaturgos. La vertiente de la costa oeste se fundó bajo el nombre de Gremio de escritores de la pantalla en 1921 en Hollywood.
Igual que ocurre con el gremio de directores, es uno de los más conocidos, pero los momebros no usan su designación en los créditos.
A.C.E : American Cinema Editors


'Los teleñecos en cuentos de Navidad' (Brian Henson, 1992)

La A.C.E se fundó en 1950 y se trata de la sociedad de editores de cine. Para ser miembros debes ir avalado por dos miembros de la sociedad y un mínimo de cinco años de experiencia editando para cine o televisión. Desde 1951 publican una revista dedicada a su profesión y cada año celebran la entrega de premios Eddie.

 
A.S.C: American Society of Cinematographers
La asociación americana de directores de fotografía se fundó en 1919. No es un gremio, sino más bien una organización cultural,educativa y profesional. Se puede ser miembro por

'Uno, Dos ,Tres' (Billy Wilder,1961)

invitación, que reciben aquellos que han demostrado su valía en el arte cinematográfico. En 1920 publicaron el American Cinematograhper Manual, comúnmente conocido como la biblia de los cineastas.
Entre los miembros se entrega el premio American Society of Cinematographers Award for Outstanding Achievement in Theatrical Releases.


P.G.A Producers Guild of America
El gremio de productores de norteamerica alberga a productores de cine,televisión y nuevos medios. Fundada en 1950 como Gremio de productores de la pantalla, este sindicato también se fusionó con sus compañeros del ámbito televisivo y otro gremio llamado Asociación Americana de Productores. Entregan el premio del gremio de productores.
En 2012 se empezaron a usar las siglas en los créditos. Al contrario que otras organizaciones, las siglas no significan que se seamiembro del gremio. Solamente indica que dicho profesional produjo una amplia parte de la película en cuestión. Por lo que el uso de las siglas se concede película a película y haberlo usado en unos créditos no significa que pueda seguir usándolo en subsiguientes productos audiovisuales.
 
 
C.S.A : Casting society of America
La sociedad de casting de norteamerica se fundó en 1982 con el nombre de Sociedad Norteamericana de Directores de Casting. Son miembros los directores de casting más reputados del cine, la televisión y el teatro.

'El señor de la Guerra' ( Andrew Niccole, 2005)

Publican un boletín informativo mensual desde 1983. Tienen miembros de EEUU, Canada, Italia, Australia y Sudáfrica. Entregan los premios Artios.
 
 
 


Esto es un pequeño resumen, hay más gremios y no se limitan sólo al cine de Hollywood y a sus profesionales.


'Piraña 2: los vampiros del mar' (James Cameron 1981)

 

 

 

Aquí, por ejemplo las siglas A.I.C podrían ser de la asociación italiana de cinematografía, aunque estoy especulando. Pero con un nombre tan italiano es lógico pensar eso.

 
 







En definitiva, que pertenecer a un gremio sólo sirve para poner las siglas, no es necesario pertenecer a ninguno para ser nominado a un Oscar ni garantiza que la película vaya a ser de una calidad superior. El cine independiente no suele contar con profesionales sindicados, aunque hay excepciones.

En fin espero que os haya resultado útil.

Crítica de 'Seis mujeres para el asesino'

Sinopsis

Un asesino enmascarado, varias víctimas potenciales. En cuanto a “giallos” es mejor saber poco.

 

Equipo

Dirección: Mario Bava

Guión: Marcello Fondato

Fotografía:  Ubaldo Terzano

Interpretes:  Eva Bartok, Cameron Mitchel, Francesca Ungaro

Crítica 

Como suele pasar con el cine italiano de la época tiene varios títulos. En esta ocasión no hay diferencia entre el título en España y la versión italiana 'Sei Donne per l' assassino' se estrenó en EEUU bajo el título de 'Blood & Black lace'

Una película que pertenece al principio del cine giallo, puede que no sea la primera, pero desde luego plantó las semillas, lo que los intelectuales pedantes que escriben sobre cine llamarían una película seminal.

Lo primero que llamará la atención del espectador, y con razón, es la fotografía y la puesta en escena. Unos colores pastel, una ubicación de la cámara muy peculiar y unos movimientos de la misma inusuales. Los colores son inquietantes y fascinantes a partes iguales, que contrastan con la historia de crímenes y suspense.

En líneas generales , la estética va en una línea se suspense cásico americano, los movimientos de cámara son precisos. Para la época en la que se hizo va más allá de lo que hubiese podido mostrarse en una película de Hollywood, por la censura del código Hayes o de la MPAA. Va un paso más en términos de violencia y desnudos, aunque sólo se

ven señoritas en ropa interior, es algo muy audaz para la época.

La trama plantea un misterio muy interesante, con varias secuencias de suspense tensas. Contiene todos los elementos clásicos de un “¿quién lo ha hecho?”  La resolución final del misterio y los motivos del asesino no me ha parecido que tengan peso suficiente para sostener los elementos que ha ido presentando durante la narración. Porque, sin arruinar la sorpresa, el plan requiere que varios elementos funcionen para que todo salga como el asesino espera.

En definitiva es menos “giallo” de lo que me gustaría, pero siendo uno de los primeros es lógico que las excentricidades por las que se conocen este tipo de películas aún no estuviesen ni planteadas. Aún así, es todo un clásico y una muestra magistral de suspense a la

italiana. Una película bien hecha, muy potente visualmente aunque con un guión simple.

 

Puntuación:  70

Nueva Temporada en el blog como la 5ª o así no se ,no llevo la cuenta

De nuevo vuelvo a empezar de nuevo. Me pasa siempre que escribo algo aquí después de mucho tiempo y me digo "che que bien me lo paso" y vuelvo a leer lo que tenía escrito y pienso " che che che" Además en esta ocasión he visto que tenía comentarios de lectores a los que no conozco, eso es genial y muchas gracias por tomaros tiempo en leer y en comentar, lo aprecio de corazón.

De modo que ahora que no estoy completamente ocioso, escribir aquí puede ser una buena forma de dejarme llevar y lo voy a aprovechar.

Para esta nueva etapa puntuaré las películas sobre 100. Me parece más justo y permite más detalles a la hora de valorar numéricamente una obra cinematográfica. últimamente he estado viendo varias películas italianas de los 60-70 así que probablemente empiece por ahí.

Crítica de 'El infierno verde'

Director: Eli Roth
Guión: Eli Roth, Nicolás López, Guillermo Amoedo
Interpretes: Lorenza Izzo, Ariel Levy, Daryl Sabara, Kirby Bliss Banton, Magda Apanowicz, Nicolás Martínez, Aaron Burns.

Sinopsis: Un grupo de estudiantes universitarios viajan al amazonas para protestar por la tala indiscriminada de árboles. Su acción reivindicativa detiene la deforestación y causa un gran revuelo en las redes sociales. Durante el viaje de vuelta a casa, sufren un accidente de avión y caen víctimas de la tribu a la que intentaban salvar, que les confunden con los obreros que están destrozando su hábitat.

Su hubiera que definir 'El infierno verde' con una palabra, ésta sería "decepción". Si hubiera que definirla con dos utilizaría "gran decepción". Han pasado muchos años y mucho tiempo de espera hasta que finalmente se le ha permitido al público ver 'El infierno verde' fuera del circuito de los festivales. Tanto tiempo que a su director, Eli Roth, le dio tiempo de hacer otra película; 'Toc Toc'. La cual vi antes que la obra que nos ocupa, y me pareció catastrófica en el sentido más peyorativo posible. Con lo que, cuando me dispuse a adentrarme en esta historia de terror y aventuras ambientada en el amazonas, sentí miedo. No un miedo primario a ser comido por caníbales, sino un miedo cuaternario y muy problema del primer mundo de aburrirme muchísimo. Profecía auto cumplida o no, eso es lo que acabó ocurriendo.

 Lo primero que chirria de forma escandalosa son los diálogos y las interpretaciones. Son de una falta total de frescura, como hecho por un quinceañero para un proyecto del colegio en el que no tiene ganas de participar. Mientras veía la película, todos los pequeños guiños y referencias a cosas que acaban ocurriendo más tarde en la película (la esencia del cine de terror es crear premisas que se cumplen, ejemplo clásico: una maldición) pero a los 13 minutos, tantos guiños resulta ser una estrategia narrativa muy pobre. En cuanto a la interpretación, lo siento mucho por Chile, pero sus actores están a la altura de los de teleseries españolas. En general, las interpretaciones son de primer curso de arte dramático de una escuela con muy poco prestigio. Llega tener un tono muy rancio de parodia y de ridiculez en los diálogos y las reacciones de los personajes que resulta abrumadora Aunque la escena cuando van a mear resulta graciosa, eso se lo concedo.

También hay que reconocer que la secuencia de la llegada al pueblo es brillante, de libro en todos los sentidos, y  la primera muerte gráfica mostrada en todo su esplendor de cámara digital te revuelve las tripas.
Llegado este punto durante la película , ésta se resume con dos escenas de muerte. La del rubio sin nombre al que le mata la hélice del avión , estúpida y fuera de lugar, y la de una chica que se cae de un árbol, graciosa y que tiene un efecto de alivio cómico. La película está constantemente acertando en la dirección por la que ir, pero equivocándose, terriblemente, dos minutos después, y eso es mala señal.
¿Por qué a la mayoría de los supervivientes del accidente de avión les lanzan dardos somníferos y a otra la matan en el acto con flechas como puños? No tiene ninguna explicación delante de la cámara, de modo que aunque esté documentado como un método tradicional de caza entre tribus caníbales, o lo que sea. lo considero un error de guion.
Cuando finalmente se van cumpliendo las premisas planteadas durante el primer acto, no sorprenden. Pero he de reconocer que la revelación de que uno de los personajes intentó suicidarse en el pasado es remarcable por la forma por la que dicho personaje muere.

Por otro lado, la fotografía y el diseño de producción acierta enormemente. Especialmente reseñable es el contraste entre el intenso verde de la naturaleza frente a las pieles pintadas de rojo de los caníbales. Y aunque gran parte de la narración transcurre con los protagonistas atrapados en una jaula, el clima es tenso y terrorífico, como una pesadilla.

Lo que se desvía mucho del sendero es la música. Suena a proyecto experimental sin ningún propósito, no tiene entidad propia para una historia de aventuras ni de caníbales, absolutamente genérica y no pega en absoluto con el ambiente. Pero claro, siendo obra de un compositor español no es de extrañar, ya que esto ocurre en todas , absolutamente todas, las películas españolas de los últimos 15 años.
En resumen, la película es muy irregular, el final intenta pasar por un homenaje a 0Canibal Feroz, pero es una copia flagrante. Y el epílogo está muy fuera de lugar. No logro entender como ser humano, que los eventos se desarrollen de esa manera tan anti natural.. Desgraciadamente esta película junto a  'Toc, Toc' (y no olvidemos que 'Hostel 2' tampoco estaba en buena forma) no hacen más que confirmar que la carrera de Eli Roth, no es que esté acabada, sino que nunca llegó a empezar. Y, Eli Roth, ¿podrías dejar de meter con calzador referencias a elementos modernos de tecnología y de estilos de vida?  Sabemos que sabes lo que es Uber, sabemos que estás en Twitter, vale, lo entendemos eres un tío moderno y enrollado, y no un viejo judío que duerme con su saquito de oro.

PUNTUACIÓN: 3/10

Trailer en español de 'El infierno verde' de Eli Roth

'El infierno verde' causó un gran revuelo en el festival de cine an´tastico de Sitges cuando se proyectó en 2013. La película se quedó perdida en el limbo de la distribución y que tuvo un estreno limitado en España el pasado 1 de abril. Para los que no vivimos en las ciudades afortunadas, tendremos que esperar al DVD( o blu ray, si ese es tu rollo). Como ya sabrá todo el mundo a estas alturas, la nueva (sin contar 'Toc Toc') película de Eli Roth es un homenaje al cine de caníbales hecho en Italia en los años 70/80. Por suerte aquí no se mató a ningún animal. De momento aquí tenéis el tráiler, pronto (cuando vea la película) tendréis la crítica.

8 películas para el 8 de marzo

Con motivo del día internacional de la mujer, desde Mondo Cinéfago os proponemos 8 películas que cobran un significado especial en este día.

8.'Vixen' (Russ Meyer, 1968)

'Vixen' puede parecer vista hoy día como una película erótica sin mucho más que planos de desnudos y escenas subidas de tono. Sin embargo, cuando se estrenó fue considerada muy revolucionaria y los movimientos feministas de la época, la acogieron como un manifiesto de lo que pretendían alcanzar.

7.' Mil gritos tiene la noche' (Juan Piquer Simón, 1982)

Una película "slasher" española con ambición de llegar al mercado extranjero, ¡y vaya sí llegó!. Una de las películas favoritas de Eli Roth. Mucha violencia, mucha sangre y muchas mujeres huyendo despavoridas.

6.'Martyrs' (Pascal Laugier, 2008)

Una de las mejores películas de lo llamado "nouvelle-vague de terror" o "nuevo extremismo francés, según a quién preguntes. Una película que es intrigante, terrorífica y estremecedora. Poco a poco se desvela una trama que cuesta olvidar. Remake americano ya estrenado en EEUU con más pena que gloria.

5.'Torso: Violencia carnal' (Sergio Martino, 1973)

Una película de género "giallo", es decir un "slasher" a la italiana. Varias estudiantes universitarias acechadas por un violento asesino "psico-sexual" (no se si es una palabra pero la usan en el tráiler)

4.' La novia vestida de negro' ( François Truffaut, 1968)

Una película de suspense y venganza. Truffaut se puso en plan Hitchcock e hizo una película de Tarantino que éste asegura no haber visto (a pesar de las similitudes con 'Kill Bill')

3.' La violencia del sexo' (Meir Zarchi, 1978)

También conocida como 'I Spit on your grave' y 'The day of the woman'. Una mujer es violada repetidas veces en un bosque. Todavía traumatizada por el hecho, planea una violenta venganza contra los agresores.

2.' Mi Novia es un zombi' (Michelle Soavi, 1994)

La mejor película de todos los tiempos. No es sólo una película de zombis, no es sólo una comedia negra, no es sólo una historia metafísica sobre el amor y la muerte.

1.'The Slumber Party Massacre' (Amy Holden Jones, 1982)

Una película "slasher" diseñada para disipar todas las críticas contra el género que lo definían como un tipo de cine fundamentalmente machista y misógino. La respuesta del estudio fue contratar a una guionista y a una directora para darle un "toque femenino" al asunto. Como resultado salió el "slasher" más misógino, machista y freudiano (el arma homicida es un taladro enorme) hasta la fecha.

Crítica de 'Torso:Violencia Carnal'

Director: Sergio Martino

Guión: Ernesto Gastaldi y Sergio Martino

Interpretes: Suzy Kendall, Luc Merenda, John Ricahrdson, Tina Aumont, Angela Covello, Carla Brait.

 

Sinopsis: En la ciudad italiana de Perugia un asesino enmascarado acecha a las universitarias. La policía tiene una pista, una bufanda que el asesino utiliza para estrangular a sus víctimas.

 

'Torso:Violencia Carnal' es una película excelente. Tiene un tratamiento genial de el suspense. Con algunos diálogos que tiran más a lo cómico pero que son geniales. Como el hombre que encuentra a la primera victima y admite a la policía que encontró el cadáver cuando "iba a hacer caca".

 

 

Durante el primer acto la exposición de la trama y los personajes es muy típica, es decir no destaca. Viéndolo positivamente se puede decir que es una trama clásica, pero es lo mismo sólo que con mejores palabras. Pero el misterio tiene suficiente intriga como para despertar y mantener el interés del espectador. Mientras la veía esperaba que la resolución de la trama fuese satisfactoria o todo se desmoronaría, por suerte así es, aunque este aspecto es muy subjetivo.

Como también es subjetiva la música, muy de giallo italiano (como debe ser) que a mí me encanta.

 

La película es bastante violenta, a fin de cuentas hay muchas muertes, pero logra ser sutil. Sin regodearse en exceso en los efectos de sangre y vísceras.

 

Pero la parte que hace que 'Torso: Violencia Carnal' resulte magistral es durante el tercer acto, cuando la acción se traslada a un caserón en lo alto de una montaña, donde las protagonistas van para despejar sus mentes después de los trágicos y violentos eventos que han vivido. Todo durante las secuencias del caserón sube hasta 11 (como dirían los de Spinal Tap) pero no quiero entrar en detalle porque toda esa parte de la película es soberbia.

 

En resumen, la película de Sergio Martino cumple muy bien como película de suspense, puntos extras por ser un giallo de puro cepa, puntos extras por esa música tan característica y muchos puntos extra por el tercer acto.

 

En resumen, Sergio Martino consiguió en esta película conseguir un suspense de calidad Hitchcockniana, y la forma en que están rodadas y editadas las secuencias más directas (como la persecución por un bosque neblinoso) son dignas de un autentico maestro del suspense. Con suficiente violencia y desnudos típicos del género giallo. Y por si fuera poco , la película vale la pena ya solo por las secuencias en el caserón.

 

PUNTUACIÓN: 8/10 

 

10 westerns mucho mejores que 'Los odiosos ocho'

Parece ser que Tarantino vuelve a pensar que con su última película ha logrado una obra maestra. Un "regalo", según tengo entendido que dijo, para sus fans y los amantes del western. Por desgracia, si habéis leído la crítica de Mondo Cinéfago, sabréis que la película no cumple con las expectativas que algunos podíamos tener de ella.

De modo que, a continuación presentamos una lsita de las 10 películas de género Western (incluyendo espagueti y paella o chorizo) No hay ninguna película de John Ford porque, aunque son grandes películas, son del otro tipo de western. Y no entran en la misma categoría que las que se mencionan a continuación.

 

10. 'El Topo' (Alejandro Jodorowsky, 1970)

Aunque no es un western al uso, tiene suficientes elementos del género como para entrar en la categoría.
Tiroteos,desierto, sombreros, bandidos y música muy del estilo del "spaghetti western". En este caso el contenido es más importante que el continente. Porque no se trata de lo que dice, sino de lo que quiere decir.
En todo caso, es una película única al ser de los pocos westerns surrealistas que existen.
Además cuenta con uno de los mejores diálogos de la historia del cine

9.'Hasta que llegó su hora' (Sergio Leone, 1970)

La que iba a ser el último western de Sergio Leone (hasta que le obligaron a hacer 'Agáchate, maldito') es toda una carta de amor al género y como tal tiene todos los elementos icónicos. Se nota que Leone conocía y apreciaba un género que ayudó a formar con la loca idea de copiar 'Yojimbo' de Akira Kurosawa y llevar la acción al lejano oeste. Lo que dio como resultado 'Por un puñado de dólares'.









 

8.'Pat Garret y Billy the Kid' (Sam Peckinpah,1973)

Una de las mejores películas de Peckinpah, uno de los mejores westerns de la historia. Un argumento muy simple pero efectivo. Y la banda sonora a manos de Bob Dylan. Especialmente magistral el momento en el que suena "Knockin' on Heaven's door" cuando Pat Garret asalta la casucha en la que está uno de los complices de Billy el niño, junto con el sheriff y su esposa.

7.Keoma (Enzo G. Castellari, 1976)

Una de las películas insignias de su director.  Llegó un poco tarde en la moda del western a la italiana, pero utilizaba con acierto los ingredientes más icónicos. Tales como la música y las posiciones de cámara extravagantes. La historia no es para tirar cohetes, pero la venganza en un tema recurrente en todas estas películas. Y lo que tiene la venganza, como tema cinematográfico, es que es muy directo y no da lugar a lardes narrativos.

6. 'Oro Maldito' (Giulio Questi, 1967) 

 Otra muestra de western surrealista. En este caso mezclada con elementos del cine de terror y con mucha más violencia explícita que las anteriores. Personajes más excéntricos de lo normal (incluyendo una banda de cowboys homosexuales) y el festín habitual de tiroteos y ángulos de cámara de cine de arte y ensayo.

5. 'Quiero la cabeza de Alfredo García' ( Sam Peckinpah, 1975)

Otra de Sam Peckinpah (y con razón). Habrá quien no la considere un western, pues no transcurre en la época de la llegada del ferrocarril a la costa oeste de EEUU. Está ambientada en la actualidad (cuando se hizo, claro. Los años 70) pero a efectos prácticos tiene todos los componentes identificables en el género western. Incluyendo el tema recurrente de la venganza. Además de los aspectos que mejor definen las películas de Peckinpah como la sangre salpicando por todas partes y el excelente uso de la cámara lenta.

4.'Django' (Sergio Corbucci, 1966)

 Obra de uno de los tres Sergios del "spaghetti western". Corbucci dirigió el primer western explícitamente violento. Hasta ese momento había muchos disparos y muchos muertos, pero poca sangre. Incluye una escena en la que los bandidos le cortan la oreja a un hombre. La censura italiana consideró que era demasiado y ordenaron que se eliminase. Y así se hizo, pero había varias copias de la película y no se eliminó de todas. Gracias a ese pequeño despiste se puede ver una escena tan atrevida para la época.
A parte de la violencia, 'Django' tiene una atmosfera especial y característica. El pueblo donde transcurre la historia está siempre embarrado y una neblina lo rodea todo, creando una sensación casi onírica. Además el propio personaje de Django, moldeado en base al forastero silencioso de Clint Eastwood. Añade aquí un andar taciturno y melancólico, arrastrando a todas partes un ataúd.

3. 'Vamos a matar, compañeros' (Sergio Corbucci, 1971)

En este caso Corbucci, se subió al carro de la autoreferencia y la parodia. Que llegó con el estreno de 'Le llamaban Trinidad'. El resultado fue una gran comedia de acción.
Para más información aquí podéis leer la crítica completa.

2.'Antes llega la muerte' (Joaquín L. Romero Marchent, 1964)

Un autentico pella western. Producción española al 100% con una historia muy interesante, inspirada en 'La Diligencia' de John Ford. Considerada por muchos (incluido Alex de la Iglesia) como la olvidada fundadora del género del western a la europea. Estrenada en España, más de un año antes del primer western de Sergio Leone. En cuanto a tema y estética está más cerca del western americano que del italiano. Pero eso le otorga una entidad especial.

Menciones honorables.

Películas de calidad, pero que al tener que seleccionar solamente 10, se han tenido que quedar fuera de la lista.

'Mi nombre es ninguno' (Tonino Valerii, 1973)

'Le llamaban trinidad' (Enzo Barboni, 1970)

'La balada de Cable Hogue' (Sam Peckinpah, 1970

'Lo quiero muerto' (Paolo Bianchini, 1968)

 

'El gran silencio' (Sergio Corbucci, 1968)

 

 

1.'Grupo Salvaje' (Sam Peckinpah, 1969)

 

¿Cabía algún duda? La obra maestra de Sam Peckinpah es una película que se puede disfrutar como una simple película de acción. Pero tiene una segunda lectura muy interesante. Un tema recurrente en loa westerns crepusculares del director; hombres que viven en un mundo en el que no tienen cabida.
Y por si eso fuera poco el tiroteo final (y la maestria y majestuosidad con que se va construyendo la tensión que da paso a esa secuencia) es una muestra fascinante de un gran trabajo de edición y montaje. Todo a lo que cualquier western debería aspirar. La acción no decae en ningún momento, pero empieza con fuerza y termina con traca. Simplemente sensacional. Muchas gracias por la película, señor Peckinpah.

Crítica de 'Los odiosos ocho'

Dirección y guión: Quentin Tarantino
Música: Ennio Morricone
Fotografía: Robert Richardson
Interpretes:
Samuel L. Jackson   ...  Major Marquis Warren
 Kurt Russell   ...  John Ruth
 Jennifer Jason Leigh   ... Daisy Domergue
 Walton Goggins   ... Sheriff Chris Mannix
 Demián Bichir   ... Bob
 Tim Roth   ... Oswaldo Mobray
 Michael Madsen   ... Joe Gage
 Bruce Dern   ... General Sandy Smithers
 James Parks   ...  O.B Jackson 

Sinopsis: Los cazarrecompensas, Marquis Warren y John Ruth (Samuel L. Jackson y Kurt Russell) comparten carruaje, junto a la condenada a muerte Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh) rumbo a la ciudad de Red Rock, a mitad de camino recogen también al nuevo sheriff de Red Rock. Debido a una fuerte tormenta se ven obligados a detenerse en La mercería de Minnie, donde unos hombres también se resguardan del frio y la nieve.


Antes de empezar y para despejar toda duda, a pesar de que dije que nunca escribiría una crítica de una película que considerase de 0, esta es una película de 0. Ya que la palabra odio figura en el título de la misa, digamos que la odio. Aunque eso es quedarse corto.

Por otro lado, y contrario a la opinión pública, opino que el título en España no es tan malo como algunos "intelectuales" intentan hacer creer. Es la octava película, ocho películas con personajes que odian algo o alguien. Películas, todas, que se regocijan en el odio. Es una fiesta privada y aunque estamos todos invitados para ser espectadores, en el fondo somos prescindibles como diría John Rambo. La otra opción para el título, más coherente con la traducción literal del inglés hubiese sido 'Los ocho llenos de odio" pero es demasiado largo y susceptible a bromas estúpidas.

La película se divide en capítulos, intentando implantar un nuevo leit motiv en su filmografía. A algunos les gustará, pero no deja de ser un recurso barato y poco imaginativo.

A los 10 minutos de película ya se nota que algo huele a rancio. Con ese anti cine, tan característico de Tarantino. La ley de oro de Hollywood es que en los 15 primeros minutos tiene que ocurrir algún evento que capte tu atención para seguir mirando. Aquí, lo único que ocurre en ese primer cuarto de hora (y en el siguiente, y el siguiente y el siguiente.....) es gente hablando de cosas que carecen totalmente de importancia. Utiliza en exceso esa especie de "retruécano tarantiniano" de repetir la misma sucesión de palabras por dos o más personajes diferentes, con largas pausas y una interpretación comedida que no pega en un western, por mucho que se intente.
omo ya pasó en 'Django Descagarritado Desatado' al no poder hablar de referencias a la cultura popular de cine, música u otros, los diálogos son más conversación de besugos que nunca. Hay varios personajes, pero no os entusiasméis. Son todos idénticos y unidimensionales. Sin ni un ápice de arco argumental o interés.
De nuevo, como en la película anterior, parece que todo esté concebido como una excusa para utilizar la palabra "nigger" infinidad de veces (¿Qué será lo siguiente una con enanos, para explotar el uso del termino " midget"?)

Continuando con el guión, hay varios trazos aquí y allí de lo que imagino que deberían ser chistes, pero que no llegan a cuajar. Y rizando el rizo del auto homenaje y de la meta referencia, hay varias y molestas similitudes entre 'Los odiosos ocho' y 'Reservoir Dogs'. Pocos personajes, pocos decorados y un "mcguffin" como hilo conductor de la narración.

Al hablar de la fotografía, los aficionados a los formatos cinematográficos obsoletos se pondrían a hacer palmas cuando se anunció que la película estaba rodada en 70mm. Pero para los meros mortales eso no significa nada, no se a quien pretendían engañar. Ese formato puede estar muy bien, si hay grandes paisajes que mostrar. Pero, dado que la nieve tiene un gran peso en la película, ver grandes planos de blancura total. Y en un interior relativamente pequeño, que parece un restaurante temático, está desaprovechado. Y el único plano que tiene interés dentro del western ocurre a la hora de película, demasiado tarde.

Dado que los personajes son bastante estúpidos, ya que no aportan nada individualmente, las interpretaciones tampoco están a la altura. Ni Samuel L. Jackson, ni Kurt Russel han sido nunca grandes actores. Pero el sumun del ridículo lo hace Tim Roth interpretando a un inglés, imitando el maniqueísmo de Crhistoph Waltz . Resulta patético.

Lo único que logra, es crear un ambiente tenso, puede que sea un efecto secundario de rabia producida por aburrimiento extremo. Pero tanto oír hablar a gente que no parecen fiarse unos de otros crea una atmosfera interesante. Aunque se prolonga demasiado y acaba resultando extenuante y repetitivo. Y en ningún momento llega a tener una resolución satisfactoria.
En el cuarto capítulo de la película aparece, sin ningún sentido, un narrador que resume lo que se acaba de ver y orienta al espectador con nuevos detalles respecto a la escena anterior. Es un recurso ancestral y muy poco efectivo, que solamente consigue demostrar que Tarantino no sabe ni escribir ni contar historias.

En otra escena, entiendo que pretende construir suspense, con algo relacionado con una cafetera, en una línea muy clásica y Hitckconiana de suspense (el espectador sabe, que un personaje sabe que algo malo está apunto de suceder y que los otros no lo saben). Para empeorar las cosas, la historia cambia de registro y se transforma en un aspirante a obra de teatro de Agatha Crhistie.

La música de Ennio Morricone tampoco destaca en ningún momento. No hay que olvidar que, por muy reputado que sea, sus composiciones musicales siempre han rozado el esperpento más que la seriedad musical que se espera de los grandes. La única canción que destaca es un tema folk compuesto para la opera prima de Wes Craven 'La última casa a la izquierda', que por las obvias diferencias de género ,no hay manera de que encaje aquí.

Por último, un pequeño fallo de montaje, un horrible uso de la cámara lenta, que haría que Sam Peckinpah se muriera de vergüenza, y una fotografía muy simplona y que abusa de trucos de cámara caducados. No hay protagonista, no hay argumento no hay nada.

En tres palabras: aburrida, insulsa y ridícula. Hablando de lo cual, si este año tenéis que ver un western cuyo título tenga un adjetivo y un número, pasad por alto 'The hateful 8' y disfrutad plácidamente de 'The Ridiculous 6'

PUNTUACIÓN: 0/10