8 películas para el 8 de marzo

Con motivo del día internacional de la mujer, desde Mondo Cinéfago os proponemos 8 películas que cobran un significado especial en este día.

8.'Vixen' (Russ Meyer, 1968)

'Vixen' puede parecer vista hoy día como una película erótica sin mucho más que planos de desnudos y escenas subidas de tono. Sin embargo, cuando se estrenó fue considerada muy revolucionaria y los movimientos feministas de la época, la acogieron como un manifiesto de lo que pretendían alcanzar.

7.' Mil gritos tiene la noche' (Juan Piquer Simón, 1982)

Una película "slasher" española con ambición de llegar al mercado extranjero, ¡y vaya sí llegó!. Una de las películas favoritas de Eli Roth. Mucha violencia, mucha sangre y muchas mujeres huyendo despavoridas.

6.'Martyrs' (Pascal Laugier, 2008)

Una de las mejores películas de lo llamado "nouvelle-vague de terror" o "nuevo extremismo francés, según a quién preguntes. Una película que es intrigante, terrorífica y estremecedora. Poco a poco se desvela una trama que cuesta olvidar. Remake americano ya estrenado en EEUU con más pena que gloria.

5.'Torso: Violencia carnal' (Sergio Martino, 1973)

Una película de género "giallo", es decir un "slasher" a la italiana. Varias estudiantes universitarias acechadas por un violento asesino "psico-sexual" (no se si es una palabra pero la usan en el tráiler)

4.' La novia vestida de negro' ( François Truffaut, 1968)

Una película de suspense y venganza. Truffaut se puso en plan Hitchcock e hizo una película de Tarantino que éste asegura no haber visto (a pesar de las similitudes con 'Kill Bill')

3.' La violencia del sexo' (Meir Zarchi, 1978)

También conocida como 'I Spit on your grave' y 'The day of the woman'. Una mujer es violada repetidas veces en un bosque. Todavía traumatizada por el hecho, planea una violenta venganza contra los agresores.

2.' Mi Novia es un zombi' (Michelle Soavi, 1994)

La mejor película de todos los tiempos. No es sólo una película de zombis, no es sólo una comedia negra, no es sólo una historia metafísica sobre el amor y la muerte.

1.'The Slumber Party Massacre' (Amy Holden Jones, 1982)

Una película "slasher" diseñada para disipar todas las críticas contra el género que lo definían como un tipo de cine fundamentalmente machista y misógino. La respuesta del estudio fue contratar a una guionista y a una directora para darle un "toque femenino" al asunto. Como resultado salió el "slasher" más misógino, machista y freudiano (el arma homicida es un taladro enorme) hasta la fecha.

Crítica de 'Torso:Violencia Carnal'

Director: Sergio Martino

Guión: Ernesto Gastaldi y Sergio Martino

Interpretes: Suzy Kendall, Luc Merenda, John Ricahrdson, Tina Aumont, Angela Covello, Carla Brait.

 

Sinopsis: En la ciudad italiana de Perugia un asesino enmascarado acecha a las universitarias. La policía tiene una pista, una bufanda que el asesino utiliza para estrangular a sus víctimas.

 

'Torso:Violencia Carnal' es una película excelente. Tiene un tratamiento genial de el suspense. Con algunos diálogos que tiran más a lo cómico pero que son geniales. Como el hombre que encuentra a la primera victima y admite a la policía que encontró el cadáver cuando "iba a hacer caca".

 

 

Durante el primer acto la exposición de la trama y los personajes es muy típica, es decir no destaca. Viéndolo positivamente se puede decir que es una trama clásica, pero es lo mismo sólo que con mejores palabras. Pero el misterio tiene suficiente intriga como para despertar y mantener el interés del espectador. Mientras la veía esperaba que la resolución de la trama fuese satisfactoria o todo se desmoronaría, por suerte así es, aunque este aspecto es muy subjetivo.

Como también es subjetiva la música, muy de giallo italiano (como debe ser) que a mí me encanta.

 

La película es bastante violenta, a fin de cuentas hay muchas muertes, pero logra ser sutil. Sin regodearse en exceso en los efectos de sangre y vísceras.

 

Pero la parte que hace que 'Torso: Violencia Carnal' resulte magistral es durante el tercer acto, cuando la acción se traslada a un caserón en lo alto de una montaña, donde las protagonistas van para despejar sus mentes después de los trágicos y violentos eventos que han vivido. Todo durante las secuencias del caserón sube hasta 11 (como dirían los de Spinal Tap) pero no quiero entrar en detalle porque toda esa parte de la película es soberbia.

 

En resumen, la película de Sergio Martino cumple muy bien como película de suspense, puntos extras por ser un giallo de puro cepa, puntos extras por esa música tan característica y muchos puntos extra por el tercer acto.

 

En resumen, Sergio Martino consiguió en esta película conseguir un suspense de calidad Hitchcockniana, y la forma en que están rodadas y editadas las secuencias más directas (como la persecución por un bosque neblinoso) son dignas de un autentico maestro del suspense. Con suficiente violencia y desnudos típicos del género giallo. Y por si fuera poco , la película vale la pena ya solo por las secuencias en el caserón.

 

PUNTUACIÓN: 8/10 

 

10 westerns mucho mejores que 'Los odiosos ocho'

Parece ser que Tarantino vuelve a pensar que con su última película ha logrado una obra maestra. Un "regalo", según tengo entendido que dijo, para sus fans y los amantes del western. Por desgracia, si habéis leído la crítica de Mondo Cinéfago, sabréis que la película no cumple con las expectativas que algunos podíamos tener de ella.

De modo que, a continuación presentamos una lsita de las 10 películas de género Western (incluyendo espagueti y paella o chorizo) No hay ninguna película de John Ford porque, aunque son grandes películas, son del otro tipo de western. Y no entran en la misma categoría que las que se mencionan a continuación.

 

10. 'El Topo' (Alejandro Jodorowsky, 1970)

Aunque no es un western al uso, tiene suficientes elementos del género como para entrar en la categoría.
Tiroteos,desierto, sombreros, bandidos y música muy del estilo del "spaghetti western". En este caso el contenido es más importante que el continente. Porque no se trata de lo que dice, sino de lo que quiere decir.
En todo caso, es una película única al ser de los pocos westerns surrealistas que existen.
Además cuenta con uno de los mejores diálogos de la historia del cine

9.'Hasta que llegó su hora' (Sergio Leone, 1970)

La que iba a ser el último western de Sergio Leone (hasta que le obligaron a hacer 'Agáchate, maldito') es toda una carta de amor al género y como tal tiene todos los elementos icónicos. Se nota que Leone conocía y apreciaba un género que ayudó a formar con la loca idea de copiar 'Yojimbo' de Akira Kurosawa y llevar la acción al lejano oeste. Lo que dio como resultado 'Por un puñado de dólares'.









 

8.'Pat Garret y Billy the Kid' (Sam Peckinpah,1973)

Una de las mejores películas de Peckinpah, uno de los mejores westerns de la historia. Un argumento muy simple pero efectivo. Y la banda sonora a manos de Bob Dylan. Especialmente magistral el momento en el que suena "Knockin' on Heaven's door" cuando Pat Garret asalta la casucha en la que está uno de los complices de Billy el niño, junto con el sheriff y su esposa.

7.Keoma (Enzo G. Castellari, 1976)

Una de las películas insignias de su director.  Llegó un poco tarde en la moda del western a la italiana, pero utilizaba con acierto los ingredientes más icónicos. Tales como la música y las posiciones de cámara extravagantes. La historia no es para tirar cohetes, pero la venganza en un tema recurrente en todas estas películas. Y lo que tiene la venganza, como tema cinematográfico, es que es muy directo y no da lugar a lardes narrativos.

6. 'Oro Maldito' (Giulio Questi, 1967) 

 Otra muestra de western surrealista. En este caso mezclada con elementos del cine de terror y con mucha más violencia explícita que las anteriores. Personajes más excéntricos de lo normal (incluyendo una banda de cowboys homosexuales) y el festín habitual de tiroteos y ángulos de cámara de cine de arte y ensayo.

5. 'Quiero la cabeza de Alfredo García' ( Sam Peckinpah, 1975)

Otra de Sam Peckinpah (y con razón). Habrá quien no la considere un western, pues no transcurre en la época de la llegada del ferrocarril a la costa oeste de EEUU. Está ambientada en la actualidad (cuando se hizo, claro. Los años 70) pero a efectos prácticos tiene todos los componentes identificables en el género western. Incluyendo el tema recurrente de la venganza. Además de los aspectos que mejor definen las películas de Peckinpah como la sangre salpicando por todas partes y el excelente uso de la cámara lenta.

4.'Django' (Sergio Corbucci, 1966)

 Obra de uno de los tres Sergios del "spaghetti western". Corbucci dirigió el primer western explícitamente violento. Hasta ese momento había muchos disparos y muchos muertos, pero poca sangre. Incluye una escena en la que los bandidos le cortan la oreja a un hombre. La censura italiana consideró que era demasiado y ordenaron que se eliminase. Y así se hizo, pero había varias copias de la película y no se eliminó de todas. Gracias a ese pequeño despiste se puede ver una escena tan atrevida para la época.
A parte de la violencia, 'Django' tiene una atmosfera especial y característica. El pueblo donde transcurre la historia está siempre embarrado y una neblina lo rodea todo, creando una sensación casi onírica. Además el propio personaje de Django, moldeado en base al forastero silencioso de Clint Eastwood. Añade aquí un andar taciturno y melancólico, arrastrando a todas partes un ataúd.

3. 'Vamos a matar, compañeros' (Sergio Corbucci, 1971)

En este caso Corbucci, se subió al carro de la autoreferencia y la parodia. Que llegó con el estreno de 'Le llamaban Trinidad'. El resultado fue una gran comedia de acción.
Para más información aquí podéis leer la crítica completa.

2.'Antes llega la muerte' (Joaquín L. Romero Marchent, 1964)

Un autentico pella western. Producción española al 100% con una historia muy interesante, inspirada en 'La Diligencia' de John Ford. Considerada por muchos (incluido Alex de la Iglesia) como la olvidada fundadora del género del western a la europea. Estrenada en España, más de un año antes del primer western de Sergio Leone. En cuanto a tema y estética está más cerca del western americano que del italiano. Pero eso le otorga una entidad especial.

Menciones honorables.

Películas de calidad, pero que al tener que seleccionar solamente 10, se han tenido que quedar fuera de la lista.

'Mi nombre es ninguno' (Tonino Valerii, 1973)

'Le llamaban trinidad' (Enzo Barboni, 1970)

'La balada de Cable Hogue' (Sam Peckinpah, 1970

'Lo quiero muerto' (Paolo Bianchini, 1968)

 

'El gran silencio' (Sergio Corbucci, 1968)

 

 

1.'Grupo Salvaje' (Sam Peckinpah, 1969)

 

¿Cabía algún duda? La obra maestra de Sam Peckinpah es una película que se puede disfrutar como una simple película de acción. Pero tiene una segunda lectura muy interesante. Un tema recurrente en loa westerns crepusculares del director; hombres que viven en un mundo en el que no tienen cabida.
Y por si eso fuera poco el tiroteo final (y la maestria y majestuosidad con que se va construyendo la tensión que da paso a esa secuencia) es una muestra fascinante de un gran trabajo de edición y montaje. Todo a lo que cualquier western debería aspirar. La acción no decae en ningún momento, pero empieza con fuerza y termina con traca. Simplemente sensacional. Muchas gracias por la película, señor Peckinpah.

Crítica de 'Los odiosos ocho'

Dirección y guión: Quentin Tarantino
Música: Ennio Morricone
Fotografía: Robert Richardson
Interpretes:
Samuel L. Jackson   ...  Major Marquis Warren
 Kurt Russell   ...  John Ruth
 Jennifer Jason Leigh   ... Daisy Domergue
 Walton Goggins   ... Sheriff Chris Mannix
 Demián Bichir   ... Bob
 Tim Roth   ... Oswaldo Mobray
 Michael Madsen   ... Joe Gage
 Bruce Dern   ... General Sandy Smithers
 James Parks   ...  O.B Jackson 

Sinopsis: Los cazarrecompensas, Marquis Warren y John Ruth (Samuel L. Jackson y Kurt Russell) comparten carruaje, junto a la condenada a muerte Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh) rumbo a la ciudad de Red Rock, a mitad de camino recogen también al nuevo sheriff de Red Rock. Debido a una fuerte tormenta se ven obligados a detenerse en La mercería de Minnie, donde unos hombres también se resguardan del frio y la nieve.


Antes de empezar y para despejar toda duda, a pesar de que dije que nunca escribiría una crítica de una película que considerase de 0, esta es una película de 0. Ya que la palabra odio figura en el título de la misa, digamos que la odio. Aunque eso es quedarse corto.

Por otro lado, y contrario a la opinión pública, opino que el título en España no es tan malo como algunos "intelectuales" intentan hacer creer. Es la octava película, ocho películas con personajes que odian algo o alguien. Películas, todas, que se regocijan en el odio. Es una fiesta privada y aunque estamos todos invitados para ser espectadores, en el fondo somos prescindibles como diría John Rambo. La otra opción para el título, más coherente con la traducción literal del inglés hubiese sido 'Los ocho llenos de odio" pero es demasiado largo y susceptible a bromas estúpidas.

La película se divide en capítulos, intentando implantar un nuevo leit motiv en su filmografía. A algunos les gustará, pero no deja de ser un recurso barato y poco imaginativo.

A los 10 minutos de película ya se nota que algo huele a rancio. Con ese anti cine, tan característico de Tarantino. La ley de oro de Hollywood es que en los 15 primeros minutos tiene que ocurrir algún evento que capte tu atención para seguir mirando. Aquí, lo único que ocurre en ese primer cuarto de hora (y en el siguiente, y el siguiente y el siguiente.....) es gente hablando de cosas que carecen totalmente de importancia. Utiliza en exceso esa especie de "retruécano tarantiniano" de repetir la misma sucesión de palabras por dos o más personajes diferentes, con largas pausas y una interpretación comedida que no pega en un western, por mucho que se intente.
omo ya pasó en 'Django Descagarritado Desatado' al no poder hablar de referencias a la cultura popular de cine, música u otros, los diálogos son más conversación de besugos que nunca. Hay varios personajes, pero no os entusiasméis. Son todos idénticos y unidimensionales. Sin ni un ápice de arco argumental o interés.
De nuevo, como en la película anterior, parece que todo esté concebido como una excusa para utilizar la palabra "nigger" infinidad de veces (¿Qué será lo siguiente una con enanos, para explotar el uso del termino " midget"?)

Continuando con el guión, hay varios trazos aquí y allí de lo que imagino que deberían ser chistes, pero que no llegan a cuajar. Y rizando el rizo del auto homenaje y de la meta referencia, hay varias y molestas similitudes entre 'Los odiosos ocho' y 'Reservoir Dogs'. Pocos personajes, pocos decorados y un "mcguffin" como hilo conductor de la narración.

Al hablar de la fotografía, los aficionados a los formatos cinematográficos obsoletos se pondrían a hacer palmas cuando se anunció que la película estaba rodada en 70mm. Pero para los meros mortales eso no significa nada, no se a quien pretendían engañar. Ese formato puede estar muy bien, si hay grandes paisajes que mostrar. Pero, dado que la nieve tiene un gran peso en la película, ver grandes planos de blancura total. Y en un interior relativamente pequeño, que parece un restaurante temático, está desaprovechado. Y el único plano que tiene interés dentro del western ocurre a la hora de película, demasiado tarde.

Dado que los personajes son bastante estúpidos, ya que no aportan nada individualmente, las interpretaciones tampoco están a la altura. Ni Samuel L. Jackson, ni Kurt Russel han sido nunca grandes actores. Pero el sumun del ridículo lo hace Tim Roth interpretando a un inglés, imitando el maniqueísmo de Crhistoph Waltz . Resulta patético.

Lo único que logra, es crear un ambiente tenso, puede que sea un efecto secundario de rabia producida por aburrimiento extremo. Pero tanto oír hablar a gente que no parecen fiarse unos de otros crea una atmosfera interesante. Aunque se prolonga demasiado y acaba resultando extenuante y repetitivo. Y en ningún momento llega a tener una resolución satisfactoria.
En el cuarto capítulo de la película aparece, sin ningún sentido, un narrador que resume lo que se acaba de ver y orienta al espectador con nuevos detalles respecto a la escena anterior. Es un recurso ancestral y muy poco efectivo, que solamente consigue demostrar que Tarantino no sabe ni escribir ni contar historias.

En otra escena, entiendo que pretende construir suspense, con algo relacionado con una cafetera, en una línea muy clásica y Hitckconiana de suspense (el espectador sabe, que un personaje sabe que algo malo está apunto de suceder y que los otros no lo saben). Para empeorar las cosas, la historia cambia de registro y se transforma en un aspirante a obra de teatro de Agatha Crhistie.

La música de Ennio Morricone tampoco destaca en ningún momento. No hay que olvidar que, por muy reputado que sea, sus composiciones musicales siempre han rozado el esperpento más que la seriedad musical que se espera de los grandes. La única canción que destaca es un tema folk compuesto para la opera prima de Wes Craven 'La última casa a la izquierda', que por las obvias diferencias de género ,no hay manera de que encaje aquí.

Por último, un pequeño fallo de montaje, un horrible uso de la cámara lenta, que haría que Sam Peckinpah se muriera de vergüenza, y una fotografía muy simplona y que abusa de trucos de cámara caducados. No hay protagonista, no hay argumento no hay nada.

En tres palabras: aburrida, insulsa y ridícula. Hablando de lo cual, si este año tenéis que ver un western cuyo título tenga un adjetivo y un número, pasad por alto 'The hateful 8' y disfrutad plácidamente de 'The Ridiculous 6'

PUNTUACIÓN: 0/10

Crítica de 'Vamos a matar, compañeros'

Dirigida por: Sergio Corbucci

 

Guión: Dino Maiuri

 

Fotografía: Alejandro Ulloa

 

Música: Ennio Morricone

 

Interpretes:

Franco Nero

Tomas Milian

Jack Palance

Fernando Rey

Iris Berben

Francisco Bódalo

 

Sinopsis: Yodlaf,un traficante armas sueco se alía con Mongo, un general mexicano para rescatar al líder intelectual de la revolución mexicana. El general Mongo envía a El Vasco para ayudar a Yodlaf. Pero cada uno tiene sus propios intereses en el éxito de la misión.

 

Al pensar en spaghetti western el primer nombre que viene a la cabeza es Sergio Leone. Pero, y aunque esto es discutible, no es el único ni el mejor de los directores de westerns a la italiana. Ni tampoco el único Sergio que se dedicó a ello. Junto con Sergio Solima y Sergio Corbucci forman un triunvirato de directores, cada uno con un estilo personal, que se retroalimentan y casi se podría decir que se enfrentaban en un duelo cinematográfico para ver quien llevaba más lejos al género.

Y en este caso concreto opino que, aunque Leone es el famoso, fue Corbucci el que hizo cosas más impresionantes. Que dirigió 'Django' la película de este tipo más violenta de todas hasta la fecha y , entre otras' Vamos a matar, compañeros', la que nos ocupa. Que es un perfecto amalgama del western tradicional al estilo Hollywood, con toques de "spaghetti", comedia y cine de aventuras.

 

Se trata de una película sumamente entretenida y divertida. Con la típica ambigüedad del género. ¿Quién es el bueno y quién el malo? ¿tendrá otras intenciones? se crea una dinámica muy interesante entre los personajes. Que evolucionan a lo largo de la película, defendiendo o definiendo sus ideales. Fáciles de identificar con estereotipos, lo que también hace que sea muy sencillo identificarse con ellos. En general todos los personajes resultan interesantes tanto por lo que hacen, lo que dicen y su papel en el argumento global. Que es un tanto simple, pero no por ello carente de interés.

 

Como es de esperar abundan las secuencias de acción, pero también hay muchos momentos cómicos. A veces se intercalan estos dos estilos en una misma secuencia. Como el caso de una que fue eliminada  al estrenarse en España, pues en el DVD dicha secuencia está en versión original con subtítulos. Pero es una de esas películas que se guardan lo mejor para el final. El tiroteo del clímax en el tercer acto es simplemente brutal. Con un montaje digno de estudio. Y con una fotografía que, durante todo el largometraje, sigue un estilo muy Leone.

 

También cabe mencionar la música de Morricone, que brilla especialmente en el tema principal. Que siempre hace acto de presencia en los momentos más memorables.

 

En resumen, 'Vamos a matar, compañeros' es un spaghetti western que puede mirar a los ojos a las obras consideradas grandes dentro del género. Muy divertida, llena de momentos memorables. Secuencias magistrales y algunas interpretaciones, especialmente por parte de Tomas Milian, soberbias. Algunas pequeñas lagunas argumentales no son suficiente para hacer sombra a toda la genialidad que Corbucci demuestra en la película.

 

PUNTUACIÓN: 10/10

 

         

El blog entra en su 5º temporada

Mondo cinéfago llega a la quinta temporada. Éste blog de cine nació sin ánimo de lucro, y menos mal que si no...
Y si bien las temporadas no las cuento en un sentido estricto, ya que me baso más bien en cuando me apetece cambiar la imagen de la cabecera. Si que procuro añadir secciones nuevas y más contenido con más frecuencia.
Por eso, aunque no lo prometo, que luego pasa lo que pasa, escribiré con cierta frecuencia aquí para seguir regodeándome en mi pasión por el cine, que ya llevo años ansiando que se convierta en mi profesión pero...en fin, no estoy aquí para lamentarme.
De modo que, como se suele decir, ¡bienvenidos!

Sangre, sudor, lágrimas y celuloide.

A continuación tenéis una lista de diez escenas de cine en la que las cosas podrían haber acabado mal para la gente delante de la cámara. Bien porque los actores dieron más de lo que se les pedía o porque los directores esperaban conseguir una toma perfecta y lo consiguieron con sangre, sudor y lágrimas.

 

 

10. La Matanza de Texas (Texas Chainsaw Massacre, Tobe Hooper, 1974)

Poco antes del climax final de 'La Matanza de Texas'. Sally (interpretada por Marilyn Burns) es la única superviviente de su grupo de amigos. Y es "invitada" a cenar por la familia caníbal. Ella está atada a una silla mientras los demás  se mofan de ella de varias maneras. Para el espectador es una escena muy inquietante y desagradable. Dura algo más de cinco minutos, hay muchos gritos y una gran abundancia de primerísimos primeros planos de los ojos de ella. Lo que profundiza en la tortura psicológica a la que la están sometiendo. Durante esta escena e ve como el abuelo de la familia bebe sangre directamente de un corte en el dedo de Sally y luego intenta golpearle en la cabeza con un martillo. Como espectadores es muy duro de ver todo lo que ocurre en pantalla. Pero fue infinitamente peor para los actores.

Todo debido a que las condiciones de rodaje eran extremas. La escena de la cena se estuvo rodando durante 27 horas seguidas. En pleno verano en Texas donde en el exterior se llegó a alcanzar una temperatura de 43 grados. Pero en el interior de la casa la sensación térmica era superior. Porque todas las ventanas estaban cerradas y tapiadas. Por si fuera poco, trozos de queso usados como atrezzo empezaron a pudrirse y el olor impregnó toda la habitación.

La mezcla de todos estos elementos resultaron psicológicamente devastadores para los actores y el equipo técnico. Aunque fue a Gunnar Hansen (que interpretaba a Cara de cuero) el que más sufrió los efectos. La máscara de curo era pesada y no pudo lavarse durante toda la escena para evitar fallos de racord. Porque lo que para él, a los problemas con la temperatura y el olor del queso, se le añadió el tener pegado un trozo de cuero a la cara lleno de su propio sudor y con dificultades para respirar. Lo que pasó fue ,según cuenta el propio Hansen, que se le nubló el juicio y pensaba que lo que tenía que hacer era matar de verdad a Marilyn Burns.

Durante esa escena, Cara de cuero realiza un corte en el dedo de Sally para que el abuelo pueda chupar su sangre, el dispositivo que debía hacer manar sangre falsa no funcionaba y no consiguieron hacer el efecto durante varias tomas. De modo que Hansen, con la mente en las nueves y deseando salir de allí, se alejó con el cuchillo y retiro la pieza de protección para evitar que cortase de verdad. En la siguiente toma, que es la se ve en la película, le hizo un corte en el dedo a Marilyn Burns.
Se puede apreciar la reacción al dolor de ella cuando intenta retirar el dedo.

 

9.La Pasión de Cristo (The Passion of the Christ, Mel Gibson, 2004)

Cuando se estrenó la película todo el mundo hablaba de la infame escena de los latigazos. Pues bien, Jim Caviezel sufrió en su propia piel un par de ellos. Y todo fue cosa de Mel Gibson que dio indicaciones a los actores que interpretaban a los torturadores de mover los látigos de distintas maneras, lo que provocó que en una ocasión el movimiento del látigo saliese descontrolado y directamente contra la espalda del actor. Dejando una herida de 35 Cm. Caviezel no pudo permanecer en personaje y empezó a insultar al otro actor Que en la siguiente toma volvió a golpearle.

Aunque eso no fue todo, en la escena en que lo colocaron en la cruz, Jim Caviezel sufrió de hipotermia y tuvo problemas pulmonares. Ya se había dislocado el hombro en las escenas posteriores cuando cargaba con la cruz.
Al final, todo ese sufrimiento dio sus frutos. 'La Pasión de Cristo fue la película clasificada para mayores de 18 años que más ha recaudado en la taquilla norte americana.

 

8. Carrie (Brian De Palma, 1976)

En la climática secuencia de la venganza de Carrie al final de la película hay una escena en la que una manguera controlada por telequinesis golpea con un potente chorro de agua a varios asistentes. Brian De Palma quería que los que recibiesen el mangerazo fuesen algunos de los compañeros de Carrie que peor se habían portado con ella durante la película y que recibiesen el agua a presión directamente en la cara. Aunque los bomberos que estaban en el rodaje para manejar la manguera le advirtieron del peligro de hacer eso, debido a la elevada presión del agua sería como golpearles con un mazo.
De Palma hizo oídos sordos y la peor parada fue la actriz P.J Soles, reconocible porque lleva una gorra de baseball roja durante toda la película.

 Ella recibió el agua contra la cara, su reacción natural fue apartar el rostro por lo que toda la presión del agua le golpeó directamente en el odio. Le destrozó el tímpano y el dolor fue tan extremo que quedó inconsciente en el acto. Por lo que en la película cuando veáis a la chica con la gorra roja caer en redondo de forma tan realista ya sabéis porque fue. Además la actriz estuvo sorda de ese odio durante seis meses.

7. Contra el imperio de la droga (The French Connection, William Friedkin, 1971)

'Contra el imperio de la droga' tiene el privilegio de ser considerada, junto con 'Bullitt' una de las precursoras de las secuencias de persecución de coches a gran escala.
En la película dicha persecución tiene lugar entre el detective de policía de Nueva York Popeye Doyle , interpretado por Gene Hackman, y un tren que pasa por railes que están sobre las calles. La persecución a través de las ajetreadas calles de Nueva york está plagada de peligros y escenas de acción. Por ejemplo, cuando el coche del detective choca contra otro vehículo y éste gira descontrolado. Pensareis que es una escena de riesgo bastante común que cualquier especialista puede llevar a cabo.
Salvo que en este caso, el coche que recibió el golpe, no formaba parte de la película.
 Tal vez os preguntéis, ¿Cómo es posible que un coche entrase en un set cerrado de cine?. La respuesta es que fue el set de cine el que se coló. Es decir, la calle no estaba cortada al tráfico y ni siquiera tenían permiso para rodar. Simplemente montaron una cámara en un coche y condujeron a toda pastilla por una zona residencial.

 

La secuencia se compone de la conducción imprudente de Gene Hackman y algunas escenas planificadas con especialistas que se rodaron por separado. Pero la gran parte del metraje es una toma ininterrumpida de un especialista conduciendo a más de 100 Km/h.
El director de la película, William Friedkin, manejaba la cámara desde el asiento trasero y contaban con la presencia de un agente de policía escondido debajo de una manta en el asiento del copiloto haciendo labores de asesor técnico y apoyo moral. Aunque eso no les impidió, entre otras cosas, conducir en dirección contraria.

Friedkin comentó que el especialista había conducido de manera tan imprudente porque el director había "cuestionado su masculinidad".

 

6. La Naranja Mecánica ( A Clockwork Orange, Stanley Kubrick, 1971)

Es bien conocida la extraña fascinación que sentía Stanley Kubrick por torturar psicológicamente a sus actores. 'La naranja mecánica' no fue una excepción.
Además de sus habituales locuras como rodar una escena muy siempre 40 o 50 veces centro también sus excentricidades en Malcolm McDowell.

Cosas insólitas como insistir que el personaje de McDowell, Alex, tuviese una serpiente como mascota, aunque en ningún sitio del guion apareciese ese detalle. Pasando por alto el hecho de que el actor tiene pánico a los reptiles. En otra escena en la que Alex recibe un pisotón en el torso el actor acabó con las costillas rotas.

Por supuesto, nada de lo anterior es comparable a la famosa secuencia de la "rehabilitación". En la que Alex es obligado a ver imágenes violentas durante horas sin poder cerrar los ojos. Durante toda la secuencia al lado de Alex hay un médico que le suministra gotas en los ojos. Pues era un médico de verdad que tenía que hacer eso para evitar que el actor quedase ciego.

A pesar de las precauciones el aparato para mantenerle los ojos abiertos le rozó la cornea y pidió que se detuviese el rodaje. Kubrick, por supuesto, hizo oídos sordos. Por lo tanto en esa secuencia, cuando Alex grita desesperadamente que paren no podemos estar seguros de si está actuando o no.

5.Hervidero (Hard Boiled, John Woo, 1992)

Muchos argumentan que el paso a Hollywood de John Woo hizo que se perdiese su estilo tan reconocible y que se perdió parte de su talento al cruzar el charco. Sus películas americanas perdieron el ímpetu y la fuerza de sus producciones hechas en Hong Kong.
En palabras del propio Woo, las explosiones en sus películas no tenían todo el control que deberían haber tenido. En su última película antes de pasar a Hollywood, 'Hervidero' se puede ver este descontrol con las explosiones tanto en la propia explosión como en la cara del actor Chow Yun-Fat.
Al final de la película, hay una secuencia que tiene lugar el hospital en donde se desarrolla el tercer acto .Éste explota con el personaje de Chow Yun-Fat dentro del mismo intentando salvar a un bebé.
La escena en concreto es cuando Chow corre por un pasillo con el bebé en brazos. En la primera toma el director no quedó del todo satisfecho con el dramatismo y la tensión de la escena. Por lo que, al repetir la toma, decidió tomar los controles de pirotecnia y hacer detonar las cargas antes de lo que el actor tenía ensayado. De modo que lo que se ve en pantalla es una persona que genuinamente corre por su vida. Es decir , esto:

 

 

 

4.El Bueno, el Feo y el Malo (The Good, the Bad and the Ugly, Sergio Leone, 1966)

Probablemente, 'El Bueno, el Feo y el Malo sea una de los "westerns" más icónicos de todos los tiempos. Pero no por ello está exenta de peligros innecesarios en el set durante el rodaje.
En una escena el personaje interpretado por Eli Wallach (Tuco,el Feo) salta de un tren en marcha junto al guardia al que está esposado, el Feo le mata pero sigue esposado a el cadaver. Para librarse de la carga, Tuco se tumba junto a las vías del tren y espera para que el vehículo rompa la cadena de las esposas.

Hoy en día sería muy fácil recrear la parte más peligrosa de esta escena por ordenador. Pero en la época la forma más sencilla de hacer algo arriesgado era hacerlo.

Aparte del riesgo de colocar a una persona cerca de un tren a toda velocidad hay un pequeño detalle que nadie durante el rodaje pareció notar y que podría haber acabado en tragedia.

El tren que utilizaron en el rodaje tenía fijos los peldaños para subir y éstos estaban a un nivel bastante bajo. Por lo que Eli Wallach podría haber acabado decapitado si se hubiese levantado un segundo antes de tiempo.

 3.El héroe del río (Steamboat Bill, Jr., Buster Keaton, 1928)

Charlie Chaplin es la estrella más aclamada del cine mudo. Por desgracia eso supone que la mayoría del público desconoce la fabulosa obra cinematográfica de Buster Keaton y sus peligrosísimas escenas de riesgo realizadas con fines cómicos, como  esta.

¿Cómo se hace una escena así? Hoy en día una pantalla verde y efectos especiales serían la respuesta. En los años 20 ponías al actor en el sitio en que habías calculado que iba a caer la ventana y tirabas la pared. Quien se ve en pantalla es el verdadero Buster Keaton, no un doble. Keaton también co escribió y co dirigió la película. Así que , básicamente, fue él mismo el que se puso en peligro. Para evitar que los espectadores dijesen que la escena parecía falsa, decidió hacerlo de verdad. Según se dice, conforme la pared empezó a caer todos, los presentes en el rodaje miraron a otro lado, temiendo lo peor.

2.Posesión Infernal (Evil Dead, Sam Raimi, 1980)

Hoy en día Sam Raimi es un director reputado, con varias películas a sus espaldas, algunas de las cuales tuvieron buenos resultados de taquilla. Pero a finales de los 70 dirigió 'Posesión Infernal' junto con el productor Rob Tapert y el actor Bruce Campbell. Ninguno de los dos tenía mucha idea de cómo se hacían películas y mucho menos las medidas básicas de seguridad a la hora de realizar escenas de riesgo.
Por un lado, tomar medidas de seguridad es caro y el presupuesto de la película (menos de 400.000 dólares) no lo permitía. Por otro lado, veían el riesgo como algo necesario. Según dijo uno de los miembros del equipo técnico Sam Raimi dijo en varias ocasiones que "si todo el mundo sentía dolor de verdad y se encontraban mal, eso se traduciría en terror para el espectador". Nadie le llevó la contraria, y durante un año rodaron la película mientras Raimi y Tapert se dedicaban a torturar a los actores para aumentar el realismo.


En una escena en la que la cámara debía atravesar una ventana y llegar a la habitación donde estaba una de los personajes femeninos. Optaron por la vía fácil e hicieron que la cámara literalmente pasase por la ventana. Una ventana real con trozos de cristal que salieron despedidos hacía la actriz. Cuando ella se tapa la cara, no está interpretando su papel mostrando terror, está tapándose la cara para evitar que le alcancen los trozos del cristal.

Bruce Campbell se fracturó el tobillo y durante las dos semanas siguientes Sam Raimi y Rob Tapert se alternaban para pincharle en la zona afectada con palos, para asegurarse de que no dejase de cojear.
Pero más peligrosa fue la escena en la que Bruce Campbell lucha contra uno de los demonio zombis que sostiene una daga. Las lentillas utilizadas por los acores que interpretaban a los monstruos eran completamente opacas.

 De modo que la actriz no podía ver nada. Y la daga era real. Por lo que Bruce Campbell está luchando por evitar ser apuñalado en ese escena, frente a una actriz que sostiene un arma blanca y no puede ver dónde apunta.

1.En los límites de la realidad (Twilight Zone: The movie, varios directores, 1983)

La película de 'En los límites de la realidad' es una recopilación de historias, que había aparecido en  la serie de televisión. Cada uno de los cuatro segmento giraba en torno a elementos de ciencia-ficción incluso de terror. Y cada uno contó con un director diferente. Joe Dante ('Gremlins'), John Landis ('Un hombre lobo americano en Londres'), Steven Spielberg '(Tiburón) y George Miller ('Mad Max: Salvajes de autopista').

Durante el rodaje del segmento dirigido por John Landis, en el que un hombre (Vic Morrow) con muchos prejuicios viaja atrás en el tiempo donde sufre en sus propias carnes el racismo, el odio y la segregación al verse transportado a la Alemania nazi, y ser confundido por un judío, o en medio de una reunión del Ku Klux Klan.
La secuencia en la que ocurrió el incidente se eliminó por completo debido a que el actor principal murió junto con dos niños que hacían de extras. Según parece el personaje  viajaba a Vietnam y era perseguido por el ejercito. Mientras escapaba se encontraba con dos niños vietnamitas a los que ayudaba.
 Luego huirían en un helicóptero. Cuando se rodaba la escena con el helicóptero, este se precipitó sobre los actores que murieron en el acto.




Hay muchos más ejemplos de películas en las que los actores se excedieron en sus labores para darle mayor dramatismo a una escena o por estar a las ordenes de un director psicótico. O las dos cosas. Lo cierto es que, muchas de éstas películas son clásicos de la historia del cine  pese a la calidad o el recibimiento que tuvieron en su momento. Por lo tanto no estaría desencaminado decir que esos excesos dieron sus frutos.